O bandoneonista conseguiu criar uma voz própria, original e inconfundível, que não só renovou o gênero, mas também instalou nele a ideia de modernidade.
Publicado 11/03/2021 20:45 | Editado 12/03/2021 12:16
Hoje, 11 de março, Astor Piazzolla completaria 100 anos . Devido a essa forma inescrutável de persuasão que possuem os números redondos, a recorrência é um motivo válido para prestar atenção à sua obra, com força total, e para repassar sua história, neste ponto abundantemente explicada e retratada. Nesta azáfama, no seio deste “Ano Piazzolla” multiplicam-se as memórias e homenagens no mundo.
Vagamente sensual para ser popular e complexo o suficiente para superar as enormes barreiras de entretenimento, o trabalho de Piazzolla situa-se com todos os direitos entre os clássicos do século XX . Uma mistura intrigante de audácia e franqueza, alegria e melancolia, oralidade e escrita, a música do bandoneonista ainda é capaz de se assemelhar ao mundo ao seu redor. Sua obra chegou ao século XXI e circula há décadas por salas de concerto, festivais de jazz, boates e palcos das mais variadas camadas, sem deixar de ser, antes de tudo, um emblema sonoro daquela cidade, Buenos Aires, aquele que antes sabia engendrar o tango.
No final da década de 40, a parábola do tango começou a declinar. O gênero fundamentalmente dançante havia dado o seu melhor e no mercado de entretenimento local começava a penetrar propostas de outras formas de dança e música internacional. Mas a desaceleração tem a ver com uma certa estagnação do que na época haviam sido suas fórmulas de tango de maior sucesso. Nos anos 1950, a vacina BCG já existia, mas os milonguitas continuavam tossindo nas letras dos tangos muito parecidos, protegidos por um conservadorismo estético que, em seu anacronismo, acabava por exprimir uma moral pacata.
Piazzolla, que havia passado pela de Aníbal Troilo, era considerado arranjador nas orquestras de primeira linha – um tanto estranho, mas interessante. Até ter sua própria orquestra em 1946, com a qual, embora sem sucesso comercial, fez coisas como “Villeguita”, dedicada a seu amigo Enrique “Mono” Villegas.
Curioso, veemente, estudioso e provocador – nessa ordem -, Piazzolla atacou o cerne expressivo do tango, delimitando com lucidez os espaços úteis e os descartes, as luzes e as sombras de um gênero com o qual vai construir uma relação de amor e ódio. Na estratégia de entrar e sair continuamente do universo do tango e de suas circunstâncias, Piazzolla conseguiu fazer do tango um pano de fundo no qual sua música, sempre exposta a partir da palavra “Nuevo”, contrastasse . Embora aberto e enriquecido com novidades do jazz, traços sonoros de Bartok e Stravinsky e antiguidades de Bach, não parava de se medir com o tango e sua tradição. Aquele submundo ao qual Piazzolla definiu os limites de seu conservadorismo.
Ao fazer um tango fora do tango, Piazzolla conseguiu criar uma voz própria, original e inconfundível . Um estilo que acabou se definindo além da escrita, da execução, da forma de tocar. Dele e dos músicos que escolheu cuidadosamente. Além de escrever para o virtuosismo do solista, o compositor possibilitou uma dose significativa de improviso na execução, no fraseado, na respiração, no jogo com o tempo e outros manejos que vinham da tradição executiva do tango, e que Piazzolla adicionava como forma de manter o frescor, a tensão do inesperado. Além da atratividade de suas influências, da complexidade de seus esquemas composicionais, havia, acima de tudo, uma forma de interpretá-los. Lá sua música foi completada e lá ele recuperou o tango.
Astor Pantaleón Piazzolla nasceu em 11 de março de 1921 em Mar del Plata ; ele era o único filho de Vicente Piazzolla e Asunta Manetti. A partir daí, uma história de sua vida poderia começar a qualquer momento, pois para além da ordem cronológica, os marcos de sua existência convergem de forma vertiginosa e coerente em um mesmo ponto: uma ideia de superação da música.
A infância em Nova York, as aulas de bandoneon em que estudava Schumann e Bach, o encontro com Carlos Gardel – que lhe disse que tocava fueye “como um galego” -, o retorno a Mar del Plata na adolescência, a revelação do Elvino Vardaro sexteto pelo rádio, a ida para Buenos Aires aos 18 anos, a orquestra Troilo, o “concerto” para piano que mostrou a Arthur Rubinstein, a recomendação de estudar com Alberto Ginastera, a Sinfonia com dois bandoneons que lhe valeu a bolsa para estudar em Paris com Nadia Boulanger. Esses são alguns dos marcos preparatórios de alguém que a essa altura parecia um infiel ao tango .
Em Paris, apropriadamente, houve um de seus inúmeros primórdios. Piazzolla chegou à capital francesa na década de 1950 para estudar com Boulanger, uma das mais importantes pedagogas de seu tempo: aluna de Gabriel Fauré, amiga de Ravel e Stravisnky, na época escolhida pelos jovens compositores americanos (Aaron Copland , Leonard Bernstein, Philip Glass e, posteriormente, Quincy Jones), entre muitos outros. De Paris, junto com a recomendação de sua mestra para ele devotar-se à música – disse-lhe isso depois de ouvir sua versão de “Triunfante” – Piazzolla voltou a Buenos Aires com gravações de música própria , com músicos da Orquestra de Ópera de Paris, e Martial Solal e Lalo Schifrin alternando ao piano. Também com o fascínio pelo Tentet de Gerry Mulligan, onde, entre outros, tocou o trompetista Chet Baker.
Sob esses estímulos, em 1957 formou o Octeto Buenos Aires , com alguns dos músicos mais importantes do meio tango e além: Enrique Mario Francini e Hugo Baralis nos violinos, Atilio Stampone no piano, Leopoldo Federico como segundo bandoneon, Horacio Malvicino na guitarra elétrica, José Bragato no violoncelo e Juan Vasallo no contrabaixo. “Era preciso tirar o tango daquela monotonia que o envolvia , tanto harmônica quanto melódica, rítmica e estética. Foi um impulso irresistível priorizá-lo musicalmente e dar aos instrumentistas outras formas de brilho. Em duas palavras, faça tango excitar e não canse o intérprete e o ouvinte, sem deixar de ser tango, e faça-o, mais do que nunca, música ”, escreveu o próprio Piazzolla na contracapa de um dos dois discos do Octeto.
Além do tom desafiador das palavras, a provocação estava na música. Arranjos de tangos clássicos e novas canções explodiram a linha decariana que até então havia delimitado a modernidade do tango. Piazzolla fundou um novo território e foi condenado por parricídio. Mas a vida efêmera do octeto era inversamente proporcional à sua importância. Com a ideia de um grupo de solistas oriundos do jazz e também da música barroca, surgiu uma atitude que será fundamental para o vaivém vital entre a composição e a execução na música de Piazzolla.
No final dos anos 1950, Piazzolla estava em Nova York. Teve uma ideia de jazz-tango da qual acabou desistindo , refutando que essa música pudesse ser incorporada à categoria “latina” – que na época significava congas e outros arreios fora da brancura de Buenos Aires. – muito menos dançante. De volta a Buenos Aires, formou o Quinteto Nuevo Tango , para muitos, em suas sucessivas formações, a máquina que melhor expressou a linguagem de Piazzolla.. Jaime Gosis ao piano, Szymsya Bajour ao violino, Kicho Díaz ao contrabaixo e Horacio Malvicino à guitarra constituíram o primeiro grupo, com o qual, entre outras coisas, gravou em 1961 a primeira versão de “Adiós Nonino”, que compôs em memória de seu pai. Depois de concluir a gravação do primeiro LP e gravar as partes de violino para a música do filme Quinto Ano Nacional , Bajour deixou o quinteto e partiu para Havana, contratado como concertino da Orquestra Sinfônica Nacional de Cuba nos primeiros anos da Revolução. Em seu lugar entrou Antonio Agri.
As estações (“Verão de Buenos Aires”, “Outono de Buenos Aires”, “Inverno de Buenos Aires” e “Primavera de Buenos Aires”), a Série de Anjos (“Introdução ao Anjo”, “Anjo Milonga”, “Morte do Anjo” e “Ressurreição do Ángel”), La Serie del Diablo (“Tango diablo”, “Vayamos al diablo” e “Romance del diablo”), bem como canções como “Revirado”, “Fracanapa”, “Calambre”, “ Buenos Aires hora cero ”,“ Decarísimo ”e“ Michelángelo ’70 ”foram, muitas em várias versões, o núcleo duro do repertório do quinteto. Ao longo de mais de duas décadas, os pianistas Osvaldo Manzi, Dante Amicarelli e Pablo Ziegler, os violinistas Antonio Agri e Fernando Suárez Paz, o violonista Oscar López Ruiz, o contrabaixista Héctor Console. Ele também tinha cantores, como Héctor De Rosas,ocasionalmente um Roberto Goyeneche a ponto de caramelo , com quem dividiu uma gravação ao vivo no Teatro Regina em 1982.
Em 1967, Piazzolla iniciou sua colaboração com o poeta Horacio Ferrer . No ano seguinte lançaram o primeiro fruto de seu trabalho conjunto, María de Buenos Aires , a “opereta” que hoje constitui um dos fracassos de maior sucesso da história da música argentina . O estilo de Ferrer, carregado de neologismos, imagens de um surrealismo prudente, psicodelia controlada e atualizações do lunfardo, foi a correspondência direta do estilo musical de Piazzolla, que encontrou em Amelita Baltar uma voz “aquosa” para esse modelo existencialista. Nessa linha chegariam logo “Balada para un loco” e “Chiquilín de Bachín”, canções que Baltar e Goyeneche gravaram praticamente ao mesmo tempo.
Com base no Quinteto Nuevo Tango, em 1971, Piazzolla acrescentou um segundo violino, viola, violoncelo e bateria, e formou o Ensemble 9 , em muitos aspectos um ponto de chegada e ao mesmo tempo a plataforma para um próximo salto. Já se foram as batalhas pela legitimidade de sua música: Piazzolla já era Piazzolla e estava em um ponto de onde não faria sentido voltar .
No conjunto – que entre outros era formado por José Bragato no violoncelo e os violinistas Antonio Agri e Hugo Baralis – estavam as marcas do Octeto e as do Quinteto, mas sobretudo muito do que será o futuro próximo do bandoneonista e o compositor que, arraigado em seu estilo, se permitiu texturas mais complexas e soluções formais um pouco mais amplas.
Essa ideia de diálogo entusiasta que trouxe do cool jazz , a harmonia modal e a politonalidade, referências à música barroca, estão no que muitos consideram um ponto alto da produção de Piazzolla, com páginas notáveis como o elegíaco “Vardarito”, “Onda 9 ”E“ Homenaje a Córdoba ”–a de“ El Cordobazo ”-, entre outras canções incluídas nos dois volumes de Música Popular Contemporânea da Cidade de Buenos Aires , álbuns lançados em 1972. Há também a primeira versão de” Tristeza de um duplo A “. Com o mesmo noneto gravou o que não era a coluna sonora de Último tango en París , o filme de Bernardo Bertolucci que acabou por ter música de Gato Barbieri.
Em 1974, após se recuperar de um ataque cardíaco, Piazzolla se estabeleceu na Itália e formou um grupo com músicos europeus. Órgão Hammond, baixo elétrico, bateria e sintetizadores caracterizaram mais uma etapa do bandoneonista, que acabou envolto em um som internacional que, ao incorporar a eletrônica como emblema da modernidade, sacrificou muito daquele nervo prodigioso que na performance fez sua música era dele música.
O encontro com o saxofonista Gerry Mulligan , com quem gravou Meeting Cumbre , e Libertango , são exemplos dessa fase. Em 1975, após a morte de Aníbal Troilo, compôs a Suíte Troilean a e para a gravação chamou Antonio Agri. Ali se delineou o octeto eletrônico , que em uma de suas formações também teve Enrique Roizner na bateria, Adalberto Cevasco no baixo elétrico, Horacio Malvicino na guitarra, Juan Carlos Cirigliano no piano, Santiago Giacobbe no órgão elétrico, Daniel Piazzolla nos sintetizadores e na voz de José Ángel Trelles. Com uma certa proximidade conceitual ao jazz rock –particularmente a Emerson Like & Palmer, de quem era um admirador confesso–, Piazzolla construiu uma ponte para a cultura jovem . Naturalmente, foi criticado na Argentina. Seus detratores, agora em nome do tango, reivindicaram o Piazzolla do quinteto.
Na década de 1980, Piazzolla era um músico importante. Embora com o quinteto reconstruído ele já fosse um leitor de si mesmo , a dinâmica executiva de sua música permaneceu vertiginosa e envolvente. Ele tocou em todo o mundo, tinha seu próprio estilo e um público fiel. Compôs para o cinema, estreou obras para orquestra e tocou com a cantora italiana Milva, o vibrafonista Gary Burton, o cantor e compositor Georges Moustaki e o Quarteto Kronos, para quem escreveu em 1989 as Five Tango Sensations para cordas e bandoneon. Em 1983 tocou no Teatro Colón com a Orquestra Filarmônica de Buenos Aires dirigida por Pedro Ignacio Calderón. Se ainda havia margem para discutir, aquele concerto histórico acabou fechando. Com o reconhecimento como Ilustre Cidadão de Buenos Aires, acabou fazendo as pazes com a cidade que era impossível entender sem aquela música fortemente associada a uma forma de tocá-la.
Em 1989, ele dissolveu o sexteto, que foi sua última formação. Em 5 de agosto de 1990, ele foi hospitalizado com um derrame em Paris. Uma semana depois foi transferido para Buenos Aires, onde faleceu, após longa agonia, em 4 de julho de 1992 .
Tango sim, tango não, Piazzolla foi passando o tempo escolhendo com cuidado as bordas por onde caminhar. Os elementos para criar um som original e inconfundível. No mundo, a de Piazzolla é a música de um músico argentino que, por mais ampla e inclusiva que seja, muitos hoje celebram como sua. Para os argentinos, apóstatas ou revolucionários, Astor foi antes de tudo quem mudou o tango. Nada menos. Ele separou o joio do trigo e estabeleceu novas categorias de valor. Ele não foi o único, é claro, porque sempre houve reformistas. Também no tango. Afinal, mudar de marcha costuma ser um aditivo comercial necessário para lubrificar as engrenagens da indústria do entretenimento. Mas Piazzolla foi mais longe. Não ficar parado era sua obsessão, para o qual ele fez tudo o que tinha que ser feito.
Cem anos após o seu nascimento, Piazzola encarna o triunfo do talento e da perseverança sobre a preguiça não muito inocente do estabelecido . Sentimental e poderoso, popular e com uma erudição leve mas categórica, sua obra sustenta a ideia de modernidade no tango para além da condição moral de sucesso. Sua música ainda soa fresca, reverbera na sensibilidade das gerações que estão por vir, sua herança se transforma e se multiplica. Assim, parece capaz de sobreviver, como Shakespeare disse de sua poesia, ao tempo, a guerras e tumultos. E se não, que outro Astor Piazzolla venha, se ele nasceu, para embaralhar e dar novamente.
Fonte: Pagina12
